Храмовники: Духовное измерение

Владимир Гарде среди немногих приверженцев Школы "Храмовая стена" вот уже больше 20 лет, и он не только пишет картины, но и старается просвещать, пропагандировать художественные принципы храмовников. Вот и приехав в Псков, он, кроме того, что выставил свои картины (очень необычные по цветовой гамме, даже на фоне творчества единомышленников) ещё прочёл целую лекцию на тему "Генезис "Храмовой стены" как Школы".

"Среди последователей этой живописной школы появился термин "стена", - рссказывал Владимир Гарде псковичам, зашедшим на открытие выставки. - Со временем этот термин получил уже такой метафизический смысл: "привести картину к стене", "довести до стены". Это значит не просто сделать картину плоской, трансформировать изображенные предметы, а избавить произведение от всего лишнего, от суеты, акцентировать внимание с помощью изображенных пятен и линий, то есть так подобрать их соотношение, композицию и цвет, чтобы возник духовный смысл работы. Храмовая стена – уже избавлена от тесных связей с предметным миром. Школа стремится преобразовывать их в символы, знаки. Это своего рода эволюция Школы. Поэтому одна из стилистических составляющих этого направления – трансформация предметов. Развертывание их таким образом, чтобы они автоматически попадали в картинную плоскость".

- Владимир, вы тоже открываете в себе "третий глаз", "духовное око" для того, чтобы находить интересные пластические решения? - спросил я у Владимира Гарде, начиная разговор.

- Я никого своим искусством не хочу поразить или ошарашить. Я пользуюсь словом "состояние". Мы можем принадлежать к разным религиозным конфессиям, но, как мне видится, "состояние" нас объединяет. Наш учитель Юрий Нашивочников вообще использует индуистскую терминологию. "Саттва" и так далее. Я человек православный, и мне ближе понятия "прелести" и "умиления". А как оно приходит это "состояние" вместе с воплощением пластических идей, наверное, ни один художник вам не расскажет. Вопрос в другом: в идеале нужно стремиться к тому, чтобы картина помогала людям входить в определённое "состояние благости". Есть сердце, чувства, и есть мозг, знания, которые нам учитель передал.

- Знания о чём?

- О том, как этими знаниями пользоваться, как трансформировать предметы, как использовать цвет. Можно ведь прописать в деталях молящегося Христа в Гефсиманском саду. А можно сделать так, что это состояние Христовой молитвы транслируется зрителю при помощи цвета. Чтобы человек ощутил это "состояние". Ведь как бывает? Приедешь на южный курорт. Закат потрясающий. Встанешь на фоне зарева, сфотографируешься. Приедешь домой, вернёшься в зиму. Посмотришь на фото. А там ничего нет! Просто картинка. "Состояния" не сохранилось. А вот живопись, в отличие от фотографии, способна воспроизводить "состояние". Если пытаться сохранять не фотографическое изображение, а дух с помощью цвета выражать.

- Вы сами об этом догадались, или кто-то подсказал?

- Конечно, я не сам придумал. Идея не моя. Это всё Михаил Матюшин, художник и композитор, друг Казимира Малевича, сформулировал. Они в ГИНХУКе вместе преподавали. Он разработал целую теорию цвета. Там у них в ГИНХУКе были специальный цветовые камеры. Они один цвет вносили в другой. Они пытались цвет утилизировать, поставить на службу идее, восприятию.

- То есть для вас важен цвет, а не знак? Судя по вашим работам...

- Для меня всё важно! И цвет, и знак. Итальянцы Возрождения, линейная перспектива - это ведь всё иллюзия, обманка. Для своего времени это был прорыв. Но потом появилась фотография, цветная киноплёнка. Чего париться? Сейчас, как в анекдоте. Художник стоит с мольбертом и картину пишет. Мимо проходят папа с сыном: "Смотри, сынок, как дядя без "Полароида" мучается!" То есть я что хочу сказать? Существует условность изображения. Малевич своим искусством обозначил конец главенства литературы в изобразительном искусстве. Ну, возьмём картину Репина "Бурлаки на Волге". Что это было для зрителя XIX века? Она заменяла зрителю голливудский блокбастер! Люди картину в подробностях рассматривали, анализировали каждый образ, каждый характер. Вот что было важно. И это было круто! Кино, драматургия, театр. А когда уже появилось кино, театр Мейрхольда, Станиславского, от живописи стали отколупываться все эти драматургические и литературные слои. В живописи актуальными компонентами остались только композиция и цвет. И Малевич своим "Черным квадратом" поставил своего рода символическую точку над всем прошлым искусством.

- От "Чёрного квадрата" оттолкнулся и прыгнул в "Белый квадрат"? Открыл свет?

- Я про духовную составляющую говорить не люблю. Мне как-то неловко об этом...

- Потому что словом "духовность" часто прикрывается пустота?

- Да, абсолютно согласен. Мне постоянно приходится объяснять, что Школа "Храмовая стена" к религии как таковой не имеет никакого отношения. Я религиозен, но это касается только меня. Если я нарисовал Христа или использовал какой-то христианский мотив, то это моё личное дело. Но изначально картина, как не крути, вышла из церкви. Всё искусство изначально храмовое. Человек заходил в храм. Зачем там росписи? Чтобы человека поднять, помочь ему войти в молитвенное состояние. Опять же, тогда телевизоров не было, книг у большинства верующих тоже не было. И Евангелие можно было просто посмотреть на стенах храма. Люди смотрели на фрески и постигали Библию в иллюстрациях. А художники исихазмического, скажем так, направления — Андрей Рублёв, Феофан Грек — вкладывали в изображение иной смысл. Они не просто иконы писали, а стремились с помощью икон человека возвысить до Бога. Как это сделать? И вот есть определённые приёмы, которые и использует Школа "Храмовая стена". Цветовая гамма ненапряжённая, линия расслабленная. Живописные приёмы, позволяющие войти в состояние "умиления". Не "прелести", а именно "умиления".

- Потому что "прелесть" — синоним понятия "соблазн"? 

- Да, "прелесть" - яркость, желание поразить. А "умиление" — это совсем другое. Вот мы смотрим на детей, и умиляемся. А смотрим на женщину, уже не до "умиления". Другие желания появляются. Так же и здесь. Философия "Храмовой стены" такова, что когда зритель смотрит на наши работы, он должен утешиться, ему должно стать хорошо, сам он должен стать лучше. Картина не должна его напрячь, ошарашить, огреть. Повторюсь, у нас нет желания шокировать. Цвета нарочито подбираются спокойные, лёгкие, не раздражающие глаза. Чтобы успокоить, умиротворить зрителя. По большому счёту сюжет-то и не важен. Лично я, кроме птичек и цветочков, стараюсь ничего больше не изображать.

- Как вы пришли к подобному "минимализму"?

- Приведу два примера. Был я как-то в Русском Музее на выставке древнерусской игрушки. И там наткнулся на деревянную игрушку: коня с колясочкой. И на колясочке нарисован цветочек. Я посмотрел и обалдел. Я честно скажу: способен любой цветок нарисовать, и такой, что, как фотография, будет. И так, и сяк, а вот так, как нарисовал этот неизвестный русский художник, никогда не смогу! Это что-то на уровне иероглифа, знака. Так просто, так искренне, так легко! Я после этого бросил все свои сюжеты, и стал рисовать одних птичек и цветочки. Чтобы хотя бы на миллиметр приблизиться к этому "состоянию" древнего художника. И второй пример. В Манеже была выставка костромских вышивок. И вот сюжет одной из вышивок. Дяденька на петушке. Откуда этот сюжет? С немецкой лубочной литографии, которые продавались на всех ярмарках. "Рейтер на петухе". Дядька с рогами сидит на петухе. Символ адюльтера. Обманутый муж и всё такое. Как русские этот сюжет преобразили! Наверное, мастерицы пришли на выставку, увидели картинку и перенесли на свою вышивку, не понимая немецкого смысла этого сюжета. И что получилось? Абсолютно иной смысл. Никакой скабрёзности. Радость, восторг! Умиление! Просто умиление. Вот нечто подобное производит с вещами Школа "Храмовая стена". Мы стараемся преображать предметы и явления. Переводить их на полотне в духовное, метафизическое измерение.

Саша Донецкий

Примечания:

Матюшин Михаил Васильевич (1861, Нижний Новгород - 14 октября 1934 года, Ленинград) — русский художник, музыкант, теоретик искусства, один из лидеров русского авангарда первой половины XX в. Композитор футуристической оперы «Победа над Солнцем» (1910), прославившей Казимира Малевича.

ГИНХУК - Государственный институт художественной культуры. Советское научное учреждение, занимавшееся вопросами теории и истории художественной культуры. Существовал с 1923-го по 1926 год. В ГИНХУКе в разное время работали К. С. Малевич, В. Е. Татлин, М. В. Матюшин, Н. Н. Пунин, И. Г. Чашник, Л. М. Хидекель и другие видные деятели русского искусства первой половины XX века.

Исихазмический от исихазм (от др.-греч. "спокойствие, тишина, уединение") — древняя традиция духовной практики, составляющая основу православного аскетизма. В основе философии и богословия исихазма лежит учение об обожении, представление о том, что посредством Божьей благодати можно созерцать непознаваемого (Бога), соединяться с Богом и даже становиться Богом. Наиболее известные представители исихазма - Симеон Новый Богослов, Григорий Синаит, Григорий Палама.